terça-feira, 15 de março de 2011

Álbum da Semana: Fictionary - Lyle Mays

Mais conhecido como o fiel escudeiro do guitarrista Pat Metheny, o pianista/tecladista Lyle Mays sempre foi meio esquecido entre os grandes fãs de jazz. E a razão por esse "esquecimento" com certeza não é falta de talento, e Mays provou isso com o próprio Pat Metheny, sendo seu principal parceiro em composições.

Em 1992, Mays lançou seu terceiro disco solo, Fictionary, ao lado do baterista Jack DeJohnette e do baixista Marc Johnson. Contrariando as expectativas, Mays apostou na formação clássica do jazz (piano, baixo e bateria), e não investiu nos seus teclados, como de costume, deixando um pouco de lado a atmosfera elétrica do Pat Metheny Group e investindo num som mais acústico e suave, com delicadas tessituras sonoras repletas de sensibilidade

Um dos destaques do disco é a faixa de abertura, um tributo a Bill Evans, considerado um dos mais importante músicos de jazz da história, e inclusive tem o nome do músico como título. A canção soa como um verdadeiro e emocionante agradecimento ao pianista. Na faixa-título, Mays toca solo o seu piano durante os dois primeiros minutos, com o baixo e a bateria entrando em seguida, com destaque pra bateria de DeJohnette. Outros destaques do disco são as animadas Trio #1, Trio # 2 e Hard Eights, com Johnson roubando a cena, e as relaxantes Siena, Something Left Unsaid e On The Other Hand, esta com apenas Lyle no piano além de Falling Grace, música do baixista Steve Swallow e Where Are You From Today com sua delicada melodia.

Lyle Mays deixa claro com este disco que não é apenas o "músico que sempre acompanha Pat Metheny". Sem dúvida, a fama do guitarrista não se deve somente ao seu virtuosismo e originalidade, mas também à parceria com seu talentoso pianista.


Tracklist:

1. Bill Evans
2. Fictionary
3. Sienna
4. Lincoln Reviews His Notes
5. Hard Eights
6. Something Left Unsaid
7. Trio #1
8. Where Are You From Today
9. Falling Grace
10. Trio #2
11. On the Other Hand


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segunda-feira, 14 de março de 2011

Charles Bradley - No Time For Dreaming [Review]

O soul vem passando por um estado de renovação. Os novos nomes do estilo, além de surgirem com frequência cada vez maior, costumam adicionar outros estilos de música ao estilo; como é o caso de Joss Stone, que já gravou com o rapper Common; e Janelle Monaé, que também se mistura com o Synth Pop. O caso de Charles Bradley, é justamente o contrário: sua música é baseada exclusivamente no soul de raíz do fim da década de 1960 e primeira metade dos anos 1970, sem flerte algum com outros tipos de música.

Apesar deste ser o seu primeiro disco gravado, Bradley já ultrapassou os 60 anos de idade. Seu interesse pela música cresceu após assistir a uma apresentação de James Brown no lendário teatro Apollo, que segundo ele, teria mudado a sua vida.

Com o dinheiro que conseguia economizar do seu salário de cozinheiro, ele comprou instrumentos musicais e começou a percorrer os EUA e até algumas áreas do Canadá para fazer shows. O co-produtor da Daptone Records - que tem como foco a música negra das décadas de 60 e 70 - percebeu o seu potencial e o chamou para gravar um single, e alguns anos depois, um álbum.

A parceria da voz imponente e poderosa de Bradley com os excelentes músicos da Menaham Street Band resultam em músicas cativantes, como Golden Rule, Heartaches and Pain e The World (Is Going Up In Flame), que traz uma ótima batida e sedutores backing vocals. A banda de apoio mostra sua qualidade na instrumental Since Our Last Goodbye e In You (I Found A Love), onde os metais e o groove do baixo se sobressaem. Mas não há como apagar a estrela do vocalista, que brilha com interpretações extramente pessoais e cheias de feeling em I Believe In Your Love, How Long, e na quase auto-biográfica, Why It´s So Hard.

Para quem já conhece ou quer começar a entrar na black music, No Time For Dreaming é um prato cheio. A voz de Charles Bradley pode não ser perfeita em termos técnicos, mas é intensa e emocionante. O primeiro passo para uma grande carreira já foi dado, só é preciso manter o nível dessa exelente estréia.

Nota: 9,5


Tracklist:


01. The World (Is Going up in Flames)
02. The Telephone Song
03. Golden Rule
04. I Believe in Your Love
05. Trouble in the Land
06. Lovin’ You, Baby
07. No Time for Dreaming
08. How Long
09. In You (I Found a Love)
10. Why is it so Hard?
11. Since Our Last Goodbye
12. Heartaches and Pain

domingo, 13 de março de 2011

Tom Principato - A Part Of Me [Review]


A Part Of Me é o primeiro trabalho completamente autoral de Tom Principato. O guitarrista e vocalista que já acumula 40 anos de carreira, é famoso nos atuais circuitos de blues pelos seus shows fervorosos. Para a gravação do álbum ele se juntou a músicos de renome do Blues e do Jazz como Willie Weeks, Brian Augers, Chuck Leavell e Sonny Landreth.

A faixa de abertura, Don't Wanna Do It, ganha os ouvidos com o evidente trabalho de slide guitar de Landreth se sobrepondo à guitarra de Principato, que cria um brilhante pano de fundo acompanhado pelo órgão Hammond de Chuck Leavell.

Fundindo Blues e Soul em um feeling descomunal, algumas nunces vocais e um instrumental suave e intricado com direito a um riff de sax cativante e um belo solo de guitarras, Part Of Me é a balada que intitula o álbum.

Down The Road e Back Again And Gone, são duas faixas inteiramente instrumentais. A primeira conta com uma levada mais rápida e diversificada, com alguns toques de improviso. A segunda funciona como uma vitrine para Principato, com um timbre sutil, ela passeia por arranjos tradicionais e pelo jazz.

Homenageando a tradicional cultura musical de Nova Orlenas, Down In Lou'Siana é caótica e valoriza a liberdade dos músicos, criando um instrumental arrojado e agressivo, sem perder sua característica dançante.

Orientada mais ao rock e com bastante energia, a dobra simples, mas elegante de Stranger's Eyes e Stranger's Eyes Pt. 2 (também instrumental) encerra o álbum.

Apostando em um caminho já conhecido, Principato apresenta um trabalho seguro graças a sua vasta experiência acumulada em mais de 4 décadas. Suas composições junto a qualidade dos músicos envolvidos, tornam a obra agradável e de fácil assimilação, apesar do álbum acabar se tornando muito curto, com pouco menos de 40 minutos. Nada que desmeraça uma atenta audição.

Nota: 8


Tracklist:

Don’t Wanna Do It
Sweet Angel
Part Of Me
Down The Road
Down In Lou’Siana
Back Again And Gone
Stranger’s Eyes
Stranger’s Eyes Pt. 2

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sábado, 12 de março de 2011

Whitesnake - Forevermore (Resenha)


Um dos álbuns mais aguardados para esse ano, sem dúvidas, "Forevermore" surge como o décimo primeiro disco de inéditas dos veteranos do Whitesnake e chega às prateleiras neste mês de março.

Em 2008, após onze anos sem nenhum lançamento, a banda finalmente voltava à ativa nos estúdios e produzia o excelente "Good To Be Bad", voltando à grande forma e iniciando uma espécie de terceira fase do som do grupo (após uma era hard rock e outra mais pop), um som mais pegado e robusto. E se o objetivo era manter o bom nível, eles foram além e fizeram um álbum ainda melhor. "Forevermore" possui um Hard Rock bem pesado e repleto de energia, sem em nenhum momento soar repetitivo ou como um mero clichê, e para isso, conta como diferencial com riffs e refrões cheios de melodia, além da distinta voz de Coverdale, dando um ar especial para as canções.

Steal Your Heart Away foi escolhida para iniciar por ser já uma bela amostra do que o grupo foi capaz de fazer; possui um ritmo bem acelerado e um ótimo solo. Enquanto isso, Love Will Set You Free será a música hit da vez (o single já ganhou até video clipe) com seu refrão colante, contando com os backing vocals do guitarrista Reb Beach e do baixista Michael Devin, algo aliás muito explorado em várias faixas, criando um fundo legal para as músicas. Em seguida vem Easier Said Than Done, a primeira das inseparáveis baladas de Coverdale, e muito bonita por sinal, com seu clima todo arrebatado.

Outra balada é One Of These Days, que diferente da primeira, é quase toda acústica e possui uma aura de anos 70/80; Dogs In The Street é rápida, hard certeiro e solo alucinante; Fare Thee Whell é mais uma acústica, num tom um tanto country que contracena bem com a voz meio rouca de Coverdale; Whipping Boy Blues traz à tona muito da influência de Jimmy Page e do Led Zeppelin, mas com a cara do Whitesnake; My Evil Ways inicia com um solo de bateria que dá lugar a um hard explosivo e energizante até chegar num grande solo... essa faixa evidencia o grade trabalho feito por Doug Aldrich e Beach nas guitarras; e por fim, a cartada final fica com a belíssima Forevermore, o momento épico do álbum, encantando e emocionando a cada vocalização, a cada nota. Fecha com muita maestria.

Então, um dos grandes dinossauros do rock retorna de forma aplaudível. O Whitesnake nos brinda com um grande disco, mostrando-se como uma banda imponente e altamente capacitada. Este play não pode passar despercebido por qualquer fã do gênero de forma alguma. Recomendadíssimo!!

Nota: 9,0



Tracklist:

Steal Your Heart Away
All Out Of Luck
Love Will Set You Free
Easier Said Than Done
Tell Me How
I Need You (Shine A Light)
One Of These Days
Love And Treat Me Right
Dogs In The Street
Fare Thee Whell
Whipping Boy Blues
My Evil Ways
Forevermore

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sexta-feira, 11 de março de 2011

Serenity - Death & Legacy [Review]

 

A Alemanha sempre foi um país que recebeu muita atenção dos headbangers de todo o mundo, graças ao seu enorme número de bandas de Heavy Metal da mais alta qualidade. Porém, aos poucos, os países vizinhos que acabavam sendo deixados um pouco de lado começam a ganhar mais notoriedade. Entre estes países, um deles é a Áustria, terra de origem do Serenity, que perto de completar dez anos em atividade, presenteia os fãs com seu terceiro álbum de estúdio: Death & Legacy.

Conceitual, Death & Legacy narra a história de diversas figuras históricas importantes, como por exemplo: Sir Francis Drake, Marco Polo, Rainha Elizabeth I e Giacomo Casanova.
A sonoridade segue a linha Symphonic Power Metal da banda, que também acrescenta elementos do Progressive e Gothic Metal.

A versão padrão do álbum conta com quatorze faixas, sendo que quatro são interlúdios, e mais de uma hora de duração. O disco, como um todo, flui de maneira muito boa e se mostra repleto de composições sólidas, apesar de haver um pouco menos de espontaneidade em relação ao seu antecessor, Fallen Sanctuary (2008). O álbum também conta com participações especiais das vocalistas Amanda Sommerville, Ailyn (Sirenia) e Charlotte Wessels (Delain). Todas as participações aparecem na medida certa, ou seja, sem receber mais atenção do que o necessário e ao mesmo tempo sem soarem desprezíveis ou prejudicarem o resultado final das músicas. A produção se mostra praticamente impecável, assim como as orquestrações e arranjos de Oliver Philips. Aqueles que adquirirem a edição limitada do álbum ainda ganharão duas faixas bonûs, Youngest Of Widows e To India's Shore, que podiam tranquilamente integrar a versão definitiva do disco.

Com Death & Legacy, o Serenity ganha ainda mais destaque no cenário Symphonic Metal, ainda não estão na elite do gênero, porém estão se aproximando disto. Musicalmente, a banda mostra que está mergulhando em águas cada vez mais profundas, resta vermos daqui para frente até onde eles conseguem chegar.

Nota: 9,0

Tracklist:
1. Set Sail To...
2. New Horizons
3. The Chevalier
4. Far From Home
5. Heavenly Mission
6. Prayer
7. Stage Of Siege
8. Changing Fate
9. When Canvas Starts to Burn
10. Serenade of Flames
11. Youngest of Widows [Bonus Track]
12. Below Eastern Skies
13. Beyond Desert Sands
14. To India's Shore [Bonus Track]
15. Lament
16. My Legacy

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Dalriada - Ígéret [Review]

Sim, mais uma banda de folk metal, mas não é apenas mais uma na multidão, tanto que é conhecida como a melhor banda da Hungria! Tudo bem, não é um título que gera muita empolgação, mas pelo menos é merecido, e a banda não é só a melhor da Hungria, mas também uma das melhores do folk metal atualmente. Formada em 1998 como Echo Of Dalriada, a banda veio a lançar o seu primeiro álbum, Fergeteg, apenas em 2004 e em 2006 lançou Jégbontó, o segundo. Em 2007 a banda trocou o nome para Dalriada e lançou mais 3 álbuns antes de Ígéret. Todos os discos têm o nome dos meses do ano em húngaro arcáico, sendo que o quinto álbum, Arany, tem esse nome por conter apenas poemas do poeta húngaro János Arany transformados em música.

Neste álbum a banda faz que já é esperado dela, um som baseado na música húngara, com arranjos bastante folclóricos muito bem aliados às melodias pesadas das guitarras. A veia metálica se mostra um pouco mais presente, com bons solos de guitarra e também de teclado, com músicas bem calcadas no power metal. As músicas do disco são todas em húngaro, tendo inclusive temas tradicionais da Hungria reinterpretados e transformados em música, o que dá um charme a mais e uma personalidade própria, sendo que o folk metal atualmente é dominado pelos celtas e nórdicos, além de ter a peculiar voz de Laura Binder como a principal, o que realmente remete a um som único.

Os vocais, aliás, são um dos destaques do disco, muito bem encaixados, alternando bem entre a voz limpa de Laura Binder, que até manda uns rasgados em Hajdútánc e Leszec A Hold, que conta com participação de Jonne Jävellä (Korpiklaani) e os vocais mais agressivos de András Ficzek e os guturais do baterista Tadeusz Rieckmann, que aparecem pouco, mas nas horas certas, dando uma maior força interpretativa aos temas, além de belos coros nos refrãos. As melodias vocais simplesmente grudam na sua mente. Tadeusz também se mostra muito técnico na bateria e as guitarras também merecem destaque, muito competentes, tanto nas partes mais pesadas quanto nas melódicas. Além do teclado, muito mais presente, com solos muito bons e belas melodias, como o das músicas Leszek A Csillag e Hozd el, Isten.

Para ouvidos preguiçosos, o disco pode parecer estranho a primeira ouvida, inundado de melodias exóticas e extravangantes, mas depois de se acostumarem com o som e ouvi-lo com atenção, logo perceberão toda a riqueza de suas nuances e assimilarão com mais facilidade a complexidade dos temas e a perfeita integração do folk com o metal. Recomendado a ouvidos livres e sem preconceitos.

Nota 9,0


Tracklist:

Intro
Hajdútánc
Hozd el, Isten
Mennyei Harang
Ígéret
Igazi Tûz
Kinizsi Mulatsága
A Hadak Útja
Leszek A Csillag
Leszek A Hold
Outro

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terça-feira, 8 de março de 2011

Beady Eye - Different Gear, Still Speeding [Review]

No ano passado, a banda queridinha entre os indies, Oasis, deu fim em suas atividades de uma vez por todas. Quando todos se viram livre dos irmãos Gallagher, eis que Liam, o vocalista, anuncia sua nova banda, Beady Eye e o lançamento de seu disco de estréia, Different Gear Still Speeding.

O Beady Eye não tem nada muito além do Oasis: um rock simples, energético e direto, com melodias fáceis e grudentas. O diferencial, segundo o próprio Liam, o grupo seria ''mais dançante, como Jerry Lee Lewis'', e essa característica é percebida em Beatles & Stones, Bring Up The Light que já tem seu video clip, e Milionaire, o primeiro single do álbum.

Contudo, o Beady Eye não tem nada muito além da banda dos irmãos Gallagher. As influências de Beatles e da carreira solo de John Lennon são tão fortes que em certos momentos beiram a cópia. Assim é The Roller, que aparenta ser um cover de Instant Karma, de John Lennon, com algumas edições líricas para, futuramente, não receber um processo por plágio.

Liam não consegue achar um estilo próprio ou um som que seja único. Wind Up Dream e Kill For A Dream parecem restos de estúdio do Oasis que foram re-gravados com novos músicos para alegrar os fãs da banda do vocalista e ao mesmo tempo para encher o disco. Bem mais inspirados estão os guitarristas Andy Bell e Gem Archer, que executam bom solos e riffs, destacando-se em Standing On The Edge Of Noise, Four Letter Word e Three Ring Circus.

O Beady Eye é um Oasis sem Noel Gallagher. As músicas ''dançantes'' são, na verdade, frias e sem emoção, feitas sob medidas para afirmar um estilo próprio de Liam, não tem. O play consegue arrancar alguns bons momentos, mas nada muito surpreendente e inovador. Só mais um na multidão.

Em entrevista ao jornal argentino Clarín!, Liam disse que seu novo grupo será maior que sua antiga banda. A julgar por este disco, o Beady Eye será apenas mais um conjunto de indie rock/britpop entre milhões que existem na face da terra, mas conseguindo vender discos e pelo fato de ter em sua formação um ilustre membro; um eterno ex-Oasis.


Nota: 6,5


Tracklist:


1. Four Letter Word
2. Millionaire
3. The Roller
4. Beatles and Stones
5. Wind Up Dream
6. Bring the Light
7. For Anyone
8. Kill for a Dream
9. Standing on the Edge of the Noise
10. Wigwam
11. Three Ring Circus
12. The Beat Goes On
13. The Morning Son

Álbum da Semana: Stand! - Sly & The Family Stone

O grupo multi-racial liderado por Sly Stone é, sem dúvidas, um dos mais importantes e influentes da década de 1960. Além da sua apresentação inigualável no famoso festival de Woodstock e dezenas de hits, a Family Stone conseguiu reunir rock, soul, funk, psicodelia e protestar sobre o racismo.

Stand!, gravado em 1969 foi o ápice da criatividade da banda. A faixa homônima que também abre o play é singela, mas ao mesmo tempo, uma espécie de hino contra o conformismo. I Wanna Take You Higher e Don´t Call Me Nigher, Whitey são dois grandes clássicos, comandados por metais envolventes que tanto convidam para dançar quanto aumentam a tensão da música. ''Don´t Call Me Nigger...'' e o maior sucesso da banda, Everyday People defende a união das pessoas, independentemente de suas prefêrencias ou etnias, como diz a própria canção, ''Makes no difference what group I'm in. I am everyday people''.

As ensolaradas e dançantes Somebody´s Watching You, Sing e You Can Make It If You Try são o contrapeso perfeito para o heavy funk psicodélico de Sex Machine, uma faixa instrumetal com mais de dez minutos.

Sly Stone ainda produziram outros discos excelentes, como Thre´s A Riot Going On e Fresh, mas nenhum é tão primoroso quanto Stand!, uma das maiores refêrencias da música negra e um retrato otimista do fim da década mais revolucionária da história. Obrigatório!

Download

Tracklist:

1. Stand!
2. Don’t Call Me Nigger, Whitey
3. I Want to Take You Higher
4. Somebody’s Watching You
5. Sing a Simple Song
6. Everyday People
7. Sex Machine
8. You Can Make It If You Try

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Playlist especial: dia da mulher

Para comemorar o dia internacional da mulher, preparamos uma playlist especial, só com bandas de metal e rock com alguma representante feminina em sua formação. 20 músicas para todos os gostos, de rock n´ roll a death metal. Aumente o som e comente sobre as faixas e grupos escolhidos.

Músicas selecionadas por Gabriel Albuquerque e Pedro Kirsten


segunda-feira, 7 de março de 2011

Cavalera Conspiracy - Blunt Force Trauma (Resenha)


Mais uma banda criada após a saída de Max Cavalera do Sepultura, o Cavalera Conspiracy lança em 2011 seu segundo álbum de estúdio, Blunt Force Trauma.

A banda nasceu de uma nova união dos irmãos Cavalera, Max e Igor, algo que não acontecia fazia 12 anos até o debut Inflikted, de 2008. Álbum que foi muito bem avaliado e contava ainda com o guitarrista e vocalista da banda Gojira, Joe Duplantier, que neste trabalho só fazia a parte do baixo. Já em Blunt Force Trauma, Duplantier foi substituído por Johnny Chow.

Em suas novas bandas, Max nunca mais lançou algo tão espetacular como "Arise" (1991), mas vinha mostrando trabalhos consistentes e este novo disco é bastante eficiente. Tem tudo o que já estamos acostumados a ouvir dos irmãos, aquele peso thrash com pegada hardcore punk, vocais rasgadíssimos e muita repetição dos refrões ao longo da música. Como dito, é eficiente, curto e grosso, sem solos muito prolongados, um soco na cara. Porém, se Max quiser fazer ainda melhor, seria de bom grado pensar em continuar focando em apenas uma de suas bandas, Cavalera ou Soulfly, já que ambas têm praticamente a mesma proposta.

De peso muito agressivo e vocal brutal, o álbum inicia sua intensa jornada com Warlord e seu excelente riff. Torture e Lynch Mob são mais duas pedradas no ouvido, esta última com participação de Roger Miret, do Agnostic Front, fazendo vocais limpos. Destaques ainda para a ótima Killing Inside, a melhor do disco, I Speak Hate e a autointitulada que possui um solo mais longo. Ainda há espaço para um cover do Black Sabbath que ficou como bonus track, a música Eletric Funeral.

Continuando sua carreira com álbuns interessantes e agora com Blunt Force Trauma, Max, com o auxílio do bom baterista Igor Cavalera, vai tentando mostrar que sua criatividade musical ainda não desapareceu.

Nota: 8,0



Tracklist:

Warlord
Torture
Lynch Mob
Killing Inside
Thrasher
I Speak Hate
Target
Genghis Khan
Burn Waco
Rasputin
Blunt Force Trauma

Bonus Tracks:

Psychosomatic
Jihad Joe
Eletric Funeral

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domingo, 6 de março de 2011

Classic Albums: Cowboys From Hell - Pantera


Imagine bandas como Poison, Cinderella ou Ratt renegando tudo o que já fizeram e passando a fazer um som completamente avassalador, com uma distorção ensurdecedora e com seu vocalista urrando ferozmente. Sim, é totalmente inimaginável. Entretanto, não o foi para uns certos caras do Texas. O Pantera era mais uma dessas bandas de glam metal com visual extravagante, exibindo cabeleiras armadas no melhor estilo Slash/Bon Jovi... até a sua virada de mesa em 1990 com o clássico absoluto "Cowboys From Hell".

Coincidentemente, foi após a chegada de Phil Anselmo que as coisas começaram a tomar outro rumo. O vocalista entrou para a banda substituindo Terry Glaze, que não havia aceitado assinar contrato com uma gravadora ligada à Gene Simmons do Kiss, entrando assim em conflito com os demais membros e resultando na sua demissão. A estreia de Anselmo foi em "Power Metal", de 1988, ainda não revolucionário, mas já dando mostras do que viria futuramente. Mas o grande fator responsável pela transição radical foi a mudança de postura dos músicos. Dimebag Darrell conseguiu imprimir um timbre único para sua guitarra, tornando-se uma lenda; seu irmão, Vinnie Paul, sentava as baquetas com vontade e violência, sem falar que tinha uma grande técnica de bumbo; e Rex Brown mandava bases de baixo tão fortes e pesadas, que fazia com que Darrell não sentisse falta nenhuma de um companheiro para a guitarra rítmica.

O disco se transformou em uma pérola. Aliás, pérola é uma palavra sensível e inadequada para defini-lo, devido seu potente formato thrash. A cada faixa sente-se a fúria groove esmagadora pulsando em suas caixas de som. Darrell apresentou-se como um gênio ao criar solos tão complexos e ao mesmo tempo era uma fábrica de riffs. Como não enlouquecer com os riffs de Domination (um desfile deles), Heresy e da faixa-título? Além delas, ainda temos petardos como Message In Blood, Psycho Holiday e a magnífica Cemetery Gates, uma viagem extasiante ao longo dos seus sete minutos de duração.

Capa do single "Cemetery Gates", de 1990

Mas qual foi a verdadeira importância histórica de Cowboys From Hell? Bem, foi nos anos 90 que surgiram e explodiram movimentos como o rock alternativo, o hard rock "farofa" e principalmente o grunge, ocupando os holofotes e jogando o metal/rock tradicional um pouco no ostracismo. Tanto é que bandas gigantes como Judas Priest, Motörhead, Metallica, Megadeth, AC/DC, Iron Maiden e tantas outras passaram seus piores momentos nessa exata década (com exceção de alguns discos como Painkiller e Rust In Peace que sairam já bem no início), após brilharem intensamente nos anos 70 e 80. Enquanto isso, o Pantera fazia o caminho inverso, vindo de uma fase mal sucedida para o reconhecimento mundial em meio às novas linhas musicais. Nisso consiste o legado do Pantera, em manter viva a chama do heavy metal, em produzir um disco tão ousado e agressivo numa época adversa para tal.

E para comemorar os 20 anos deste trabalho, em 2010 a banda (agora infelizmente extinta devido ao trágico assassinato de Dimebag) resolveu lançar uma versão tripla do álbum para colecionadores. O primeiro CD é uma remasterização de todas as faixas; o segundo traz apresentações ao vivo nos EUA e em Moscou (Alive In Hostile); e o terceiro agrupa demos das músicas, além da canção The Will To Survive, gravada durante as sessões do álbum (confira ela no vídeo abaixo), trazendo um som que distoa um pouco do resto do disco em termos de peso, pegando mais para um lado hard rock bem groove.



Produzido por Terry Date e editado pela gravadora Atco Records, que pela primeira vez trabalhava com a banda, Cowboys From Hell alcançou em 1993 o disco de Ouro e em 1997 o disco de Platina por chegar a 1 milhão de cópias vendidas só nos EUA. O sucesso comercial também levou a galgar a posição 117 na Billboard 200, a posição 27 na Top Heatseekers e a ficar em oitavo na Catalog Albums.

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Tracklist:

Cowboys From Hell
Primal Concrete Sledge
Psycho Holiday
Heresy
Cemetery Gates
Domination
Shattered
Clash With Reality
Medicine Man
Message In Blood
The Sleep
The Art Of Shredding


Integrantes:

Phil Anselmo - Vocalista
Dimebag Darrell - Guitarrista e vocal de apoio
Rex Brown - Baixista
Vinnie Paul - Baterista

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sábado, 5 de março de 2011

Moonsorrow - Varjoina Kuljemme Kuolleiden Maassa [Review]

Quatro anos após Viides Luku - Hävitetty, que é pouco inspirado em relação aos outros grandiosos discos da banda, os finlandeses do Moonsorrow (sim, mais finlandeses na parada) voltam com Varjoina Kuljemme Kuolleiden Maassa, um álbum que é tão bom quanto difícil de pronunciar o nome. Apesar de o disco anterior ser um pouco menos inspirado, ele é criativo e inovador e não perde sua essência nórdica devastadora e o clima místico do folk, assim como todos da banda, e não é diferente com esse. Neste álbum a banda traz novamente a mistura do clima soturno e agressivo do black metal com todo o brilhantismo e magia do folk metal, mistura essa que ainda não foi tão explorada pelas bandas desse gênero do metal tão cheio de possibilidades, e o Moonsorrow se destaca por fazê-la com originalidade e maestria.

A estrutura do disco é aquela já conhecida da banda, poucas músicas, porém longas. Este tem quatro músicas que ultrapassam os 10 minutos e 3 interlúdios. Os interlúdios soam como alguém caminhando na neve, até que esse alguém morre. Fica um pouco difícil dizer qualquer coisa porque a tradução das letras é um pouco inacessível, mas as canções fluem de uma maneira para que haja uma sensação de viagem, e o interlúdio Kuolleille e a última música, Kuolleiden Maa (A Terra Dos Mortos) sugerem esse fim para o "personagem".

O que mais impressiona na banda é que o seu som é incrivelmente atmosférico, é como se o som te hipnotizasse. Os vocais limpos foram deixados um pouco de lado nesse disco, ficando mais para as partes faladas, que ligam as diferentes passagens das canções. Na maior parte do tempo, as músicas pendem para o black metal, com guturais e drives bem agressivos num clima sombrio e depressivo, mas também tem belas melodias com um clima folk mais comedido, onde os músicos utilizam os tais intrumentos "diferentes", como viola, flauta, gaita, e a harpa de boca, que é a responsável pelo efeito mola tão usado pela banda, dando um frescor no clima denso e não deixando as canções soarem cansativas, tudo isso numa grandiosa estrutura instrumental, cativante e envolvente, tudo soando muito épico.

Todas essas características se resumem na 5ª faixa, Huuto, o destaque do disco. Ela começa num clima acústico, mas logo explode em agressividade, e também tem muitas outras linhagens e lindas melodias. Nela a banda também mostra um pouco da sua tendência progressiva, pelo fato de ela se repetir um pouco. Todos os sons se misturam, mas cada um fica distinto, todos soando muito bem, é a música que mais exige dos integrantes e a que mais mostra a técnica da banda. É fácil se perder nela.

Este álbum é infalível para agradar aos já adeptos ao gênero, mas também é uma grande recomendação para os que ainda não conhecem a proposta. Poucas bandas conseguem nos transportar para o mundo dos antigos vikings tão bem quanto o Moonsorrow, e este disco é a passagem mais segura e barata para este mundo fascinante.

Nota 10


Tracklist:

1. Tähdetön ( Starless) - 12:44
2. Hävitetty (Ravaged) - 01:34
3. Muinaiset (The Ancient Ones) - 11:43
4. Nälkä, Väsymys Ja Epätoivo (Hunger, Weariness and Despair) - 01:12
5. Huuto (The Scream) - 15:58
6. Kuolleille (To The Dead) - 01:35
7. Kuolleiden Maa (The Land of the Dead) - 16:23

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Visions Of Atlantis - Delta [Review]


Quatro anos após Trinity (2007), os austríacos do Visions Of Atlantis voltam a dar as caras com seu quarto álbum de estúdio, Delta, lançado pela Napalm Records. Com várias trocas de membros desde o último lançamento, Delta também marca a estréia da vocalista grega Maxi Nil e do baixista Mario Lochert.

Com o Symphonic Metal tornando-se cada vez mais um gênero saturado de tantas bandas, poucas conseguem se sobressair das demais ou expandir seus limites criativos dentro do estilo. Infelizmente, isto não é o que acontece em Delta.
Delta possui tudo para agradar os mais fanáticos pelo Metal Sinfônico, e, ao mesmo tempo que isso pode tornar o álbum pouco relevante para o estilo como um todo, também não chega a comprometer demais o resultado final, pois é feito com competência.

O grande destaque em Delta fica por conta das orquestrações, que não estão presentes apenas para enchimento e sim para desempenharem um papel fundamental na criação de atmosferas épicas e dramáticas, tendo também, em certos momentos, um destaque maior que o das guitarras, que não vão muito além de riffs básicos. As linhas vocais funcionam em torno da combinação dos vocais femininos de Maxi Nil com os masculinos de Mario Plank, que alterna sua função entre harmonizar suas linhas com as de Maxi, quando cantadas de maneira limpa, e gerar contraste, quando cantadas de maneira rasgada. Ambos trabalham bem dentro dos que lhes é proposto e tudo funciona corretamente, porém a ausência de refrões realmente marcantes acaba atuando de maneira negativa.

A mudança de vocalistas não causou enorme mudança na sonoridade do Visions Of Atlantis. Apesar de alguns poréns, Delta se mostra um álbum sólido. Talvez falte apenas um pouco mais de confiança na banda para tentarem ir mais além e deslancharem de vez na cena metálica, pois potêncial não é o que falta.

Nota: 7,0


Tracklist:
1. Black River Delta
2. Memento
3. New Dawn
4. Where Daylight Fails
5. Conquest of Others
6. Twist of Fate
7. Elegecy of Existence
8. Reflection
9. Sonar
10. Gravitate Towards Fatality

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A maior música de todos os tempos

A década de 1960 marcou uma importante transição no rock. As letras que abordavam assuntos da juventude como garotas e carros tornaram-se porta voz de temas políticos e sociais, além de tocar em assuntos mais introspectivos.

Antes de gravar Like A Rolling Stone, Bob Dylan já era conhecido por suas letras com engajamento político, tais como Blowin´ In The Wind, The Times They Are A-Chagin´ , Hard Rain’s A-Gonna Fall e Mr. Tambourine Man, mas sempre acompanhado pelo seu violão e gaita. Tudo mudou em 1965, com o disco Bringing All Back Home, que introduziu a guitarra elétrica no folk.

Foi a justamente a guitarra que irritou os puristas e radicais do estilo na época, que durante o lendário show no festival de folk de Newport, chamavam Dylan de ''Judas''. Eles aceitavam as letras de protesto, mas não a nova sonoridade.

O disco seguinte, Highway 61 Revisited, lançado no mesmo ano, aumentou ainda mais a fúria dos conservadores, em especial pela faixa de abertura, Like A Rolling Stone, que contava a história de um socialite que perdeu tudo e caiu na miséria. A música era comandada pelo órgão gospel apocalíptico de Al Kooper, a guitarra afiada de Mike Bloomfield, e acima de tudo, a voz raivosa de Bob Dylan, que parecia confrontar seus críticos em versos como How Does It Fell?. Uma espécie de chamado pra guerra.

Like A Rolling Stone revolucionou as canções do rádio. As canções podiam durar no máximo três minutos, ela tem seis. Os executivos da CBS pediram a Dylan para encurtá-la, ele se rejeitou, e a faixa foi dividida em duas partes para caber em um compacto e para ser divulgada nas rádios. Porém, o público não gostou da idéia, e exigiu que Like A Rolling Stone fosse tocada na íntegra, e assim ela ficou por doze semanas na parada norte-americana, chegando a alcançar o segundo lugar do chart.

Nos primeiros dias de gravação, a faixa era muito diferente da que é conhecida hoje. Estava inserida num tempo de 3/4. Essa versão foi lançada no CD The Bootleg Series Volumes 1–3 (Rare & Unreleased) 1961–1991, lançado em 1991. Uma amostra da versão pode ser ouvida nos arquivos sonoros da wikipédia. A música ganhou sua forma após Dylan convocar o guitarrista da Paul Butterfield Blues Band, Mike Bloomfield, e de Al Kooper, amigo do produtor Tom Wilson, sentar-se ao piano durante uma visita ao estúdio. Bloomfield relembra as instruções de Dylan para a gravação: ''Não quero que você toque nada dessa porcaria de B.B. King, nada dessa porra de blues. Quero que você toque outra coisa''. Essa mesma instrução seria passada aos outros músicos. Mais tarde, Bob adimitiu que a progressão de acordes foi inspirada em La Bamba, de Ritchie Valens.

A influência dessa canção de Dylan é tão grande que teve um livro escrito pelo crítico musical Greil Marcus, chamado Like A Rolling Stone - Bob Dylan Na Encruzilhada. O livro fala de sua influência na música pop conteporânea, com o intuito de provar que, sozinha, essa canção mudou toda a cultura pop ao redor do mundo.

Uma das maiores influências em publicação musical, a Rolling Stone, reuniu, em 2004, críticos, músicos e produtores para fazer uma lista com as maiores músicas de todos os tempos, e Like A Rolling Stone ficou em primeiro lugar. Em 2009 a lista foi re-feita, e lá estava o clássico de Bob Dylan, mais um vez em primeiro lugar. Outro ranking semelhante feito pela Uncut em 2002 e um pela Mojo em 2005 também traziam a mesma música na mesma primeira posição.

Outros músicos de sucesso relembram o impacto que a música teve em suas vidas: Paul McCartney contou qua ia até a casa de John Lennon para ouvir a música, e comentou: ''Parecia ir e ir para sempre. Era simplesmente lindo... Ele mostrou que provou pra todos nós que sempre era possível ir além''.

Frank Zappa foi mais longe: ''Quando eu ouvi Like a Rolling Stone, eu quis desistir da música, porque eu pensei: 'Se isso ganha e faz o que eu deveria fazer, eu não preciso fazer mais nada''.

Mas nenhum relato foi tão apaixonado quanto o de Bruce Springsteen durante o discurso de introdução Bob Dylan ao Rock And Roll Hall Of Fame: ''Quando eu ouvi Bob Dylan pela primeira vez, eu estava no carro com a minha mãe, aí veio aquela pancada seca na bateria que soava como se alguém tivesse aberto a porta de sua mente... Do mesmo jeito que Elvis liberava o seu corpo, Dylan liberava a sua mente, e nos mostrou que só porque a música é era física, ela não precisava ser anti-intelectual. Ele tinha a visão e o talento para fazer a música pop conter o mundo inteiro. Ele inventou uma nova maneira que um cantor poderia soar, quebrou as barreiras das gravações e mudou o rock n´ roll para todo o sempre''.

Like A Rolling Stone abriu as portas para toda a revolução sonora da décade de 1960. Seus seis desafiadores minutos acenderam as mentes dos Beatles, Jimi Hendrix e dos Beach Boys. Não é só o carro-chefe de Highway 61 Revisited - que não por acaso o melhor disco de Dylan -, ou a sua melhor composição, com ele mesmo disse; é a maior música de todos os tempos.

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sexta-feira, 4 de março de 2011

Jag Panzer - Scourge Of The Light (Resenha)


Após um hiato de sete anos desde o ótimo Casting The Stones (2004), a banda estadunidense de heavy/power metal Jag Panzer é mais uma que retorna ao público com seu novo trabalho denominado Scourge Of The Light.

As composições são bastante heavy, com uma melodia que pende para o power metal dos anos 80. A banda sempre foi e é muito influenciada pelo movimento chamado New Wave Of British Heavy Metal, o que contribui para sua blindagem tradicional. Sua sonoridade apresenta similaridades com o Nevermore, principalmente na atmosfera um tanto dramática das músicas e no vocal que varia do caótico ao compassado.

Apesar da grande baixa que foi a perda do guitarrista Chris Broderick para o Megadeth, a banda conseguiu preencher muito bem o posto com a volta de Christian Lasegue, que em sua reestreia mostrou solos competentíssimos, encaixando muito bem com as bases de Mark Briody. Já o vocalista Harry Conklin continua chamando as atenções para sua potente voz às vezes grave, outras vezes agudíssima. Harry também usa efeitos de delay, combinando bem com o estilo da banda e deixando as frases com mais impacto.

Scourge Of The Light nos traz um repertório redondinho com dez faixas excelentes, sem nenhum momento ruim ou chato. A canção mais agressiva do disco foi escolhida para iniciar: Condemned To Fight vem como um petardo! As faxias seguintes nos trazem um sólido conjunto de músicas melodramáticas no ponto certo, uma respeitável cadeia musical de metal: The Setting Of The Sun, Bringing The End e Call To Arms.

Let It Out possui mais peso, um riff mais "speed" e uma bateria marcante. Stjernquist volta a dar as caras com sua presente batera no riff de Union, que diga-se de passagem, possui o refrão mais "catchy" do disco. Burn, apesar do nome, inicia e termina com uma leveza advinda do piano de Briody; mas no intermédio das passagens desse instrumento, os vocais se apresentam mais marcadamente agudos e as bases são novamente aceleradas. Pra fechar brilhantemente temos The Book Of Kells, mais progressiva, mais sinfônica, com direito até a coros.

Retornando de forma muito digna, o Jag Panzer presenteia seus adoradores com um excelente álbum, muito bem produzido, muito bem feito. De volta à sua forma antiga, eles continuam deixando um fio de esperança para que façam uma inédita passagem pelo Brasil.

Nota: 8,5



Tracklist:

Condemned To Fight
The Setting Of The Sun
Bringing The End
Call To Arms
Cycles
Overlord
Let It Out
Union
Burn
The Book Of Kells

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