sexta-feira, 11 de março de 2011

Dalriada - Ígéret [Review]

Sim, mais uma banda de folk metal, mas não é apenas mais uma na multidão, tanto que é conhecida como a melhor banda da Hungria! Tudo bem, não é um título que gera muita empolgação, mas pelo menos é merecido, e a banda não é só a melhor da Hungria, mas também uma das melhores do folk metal atualmente. Formada em 1998 como Echo Of Dalriada, a banda veio a lançar o seu primeiro álbum, Fergeteg, apenas em 2004 e em 2006 lançou Jégbontó, o segundo. Em 2007 a banda trocou o nome para Dalriada e lançou mais 3 álbuns antes de Ígéret. Todos os discos têm o nome dos meses do ano em húngaro arcáico, sendo que o quinto álbum, Arany, tem esse nome por conter apenas poemas do poeta húngaro János Arany transformados em música.

Neste álbum a banda faz que já é esperado dela, um som baseado na música húngara, com arranjos bastante folclóricos muito bem aliados às melodias pesadas das guitarras. A veia metálica se mostra um pouco mais presente, com bons solos de guitarra e também de teclado, com músicas bem calcadas no power metal. As músicas do disco são todas em húngaro, tendo inclusive temas tradicionais da Hungria reinterpretados e transformados em música, o que dá um charme a mais e uma personalidade própria, sendo que o folk metal atualmente é dominado pelos celtas e nórdicos, além de ter a peculiar voz de Laura Binder como a principal, o que realmente remete a um som único.

Os vocais, aliás, são um dos destaques do disco, muito bem encaixados, alternando bem entre a voz limpa de Laura Binder, que até manda uns rasgados em Hajdútánc e Leszec A Hold, que conta com participação de Jonne Jävellä (Korpiklaani) e os vocais mais agressivos de András Ficzek e os guturais do baterista Tadeusz Rieckmann, que aparecem pouco, mas nas horas certas, dando uma maior força interpretativa aos temas, além de belos coros nos refrãos. As melodias vocais simplesmente grudam na sua mente. Tadeusz também se mostra muito técnico na bateria e as guitarras também merecem destaque, muito competentes, tanto nas partes mais pesadas quanto nas melódicas. Além do teclado, muito mais presente, com solos muito bons e belas melodias, como o das músicas Leszek A Csillag e Hozd el, Isten.

Para ouvidos preguiçosos, o disco pode parecer estranho a primeira ouvida, inundado de melodias exóticas e extravangantes, mas depois de se acostumarem com o som e ouvi-lo com atenção, logo perceberão toda a riqueza de suas nuances e assimilarão com mais facilidade a complexidade dos temas e a perfeita integração do folk com o metal. Recomendado a ouvidos livres e sem preconceitos.

Nota 9,0


Tracklist:

Intro
Hajdútánc
Hozd el, Isten
Mennyei Harang
Ígéret
Igazi Tûz
Kinizsi Mulatsága
A Hadak Útja
Leszek A Csillag
Leszek A Hold
Outro

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terça-feira, 8 de março de 2011

Beady Eye - Different Gear, Still Speeding [Review]

No ano passado, a banda queridinha entre os indies, Oasis, deu fim em suas atividades de uma vez por todas. Quando todos se viram livre dos irmãos Gallagher, eis que Liam, o vocalista, anuncia sua nova banda, Beady Eye e o lançamento de seu disco de estréia, Different Gear Still Speeding.

O Beady Eye não tem nada muito além do Oasis: um rock simples, energético e direto, com melodias fáceis e grudentas. O diferencial, segundo o próprio Liam, o grupo seria ''mais dançante, como Jerry Lee Lewis'', e essa característica é percebida em Beatles & Stones, Bring Up The Light que já tem seu video clip, e Milionaire, o primeiro single do álbum.

Contudo, o Beady Eye não tem nada muito além da banda dos irmãos Gallagher. As influências de Beatles e da carreira solo de John Lennon são tão fortes que em certos momentos beiram a cópia. Assim é The Roller, que aparenta ser um cover de Instant Karma, de John Lennon, com algumas edições líricas para, futuramente, não receber um processo por plágio.

Liam não consegue achar um estilo próprio ou um som que seja único. Wind Up Dream e Kill For A Dream parecem restos de estúdio do Oasis que foram re-gravados com novos músicos para alegrar os fãs da banda do vocalista e ao mesmo tempo para encher o disco. Bem mais inspirados estão os guitarristas Andy Bell e Gem Archer, que executam bom solos e riffs, destacando-se em Standing On The Edge Of Noise, Four Letter Word e Three Ring Circus.

O Beady Eye é um Oasis sem Noel Gallagher. As músicas ''dançantes'' são, na verdade, frias e sem emoção, feitas sob medidas para afirmar um estilo próprio de Liam, não tem. O play consegue arrancar alguns bons momentos, mas nada muito surpreendente e inovador. Só mais um na multidão.

Em entrevista ao jornal argentino Clarín!, Liam disse que seu novo grupo será maior que sua antiga banda. A julgar por este disco, o Beady Eye será apenas mais um conjunto de indie rock/britpop entre milhões que existem na face da terra, mas conseguindo vender discos e pelo fato de ter em sua formação um ilustre membro; um eterno ex-Oasis.


Nota: 6,5


Tracklist:


1. Four Letter Word
2. Millionaire
3. The Roller
4. Beatles and Stones
5. Wind Up Dream
6. Bring the Light
7. For Anyone
8. Kill for a Dream
9. Standing on the Edge of the Noise
10. Wigwam
11. Three Ring Circus
12. The Beat Goes On
13. The Morning Son

Álbum da Semana: Stand! - Sly & The Family Stone

O grupo multi-racial liderado por Sly Stone é, sem dúvidas, um dos mais importantes e influentes da década de 1960. Além da sua apresentação inigualável no famoso festival de Woodstock e dezenas de hits, a Family Stone conseguiu reunir rock, soul, funk, psicodelia e protestar sobre o racismo.

Stand!, gravado em 1969 foi o ápice da criatividade da banda. A faixa homônima que também abre o play é singela, mas ao mesmo tempo, uma espécie de hino contra o conformismo. I Wanna Take You Higher e Don´t Call Me Nigher, Whitey são dois grandes clássicos, comandados por metais envolventes que tanto convidam para dançar quanto aumentam a tensão da música. ''Don´t Call Me Nigger...'' e o maior sucesso da banda, Everyday People defende a união das pessoas, independentemente de suas prefêrencias ou etnias, como diz a própria canção, ''Makes no difference what group I'm in. I am everyday people''.

As ensolaradas e dançantes Somebody´s Watching You, Sing e You Can Make It If You Try são o contrapeso perfeito para o heavy funk psicodélico de Sex Machine, uma faixa instrumetal com mais de dez minutos.

Sly Stone ainda produziram outros discos excelentes, como Thre´s A Riot Going On e Fresh, mas nenhum é tão primoroso quanto Stand!, uma das maiores refêrencias da música negra e um retrato otimista do fim da década mais revolucionária da história. Obrigatório!

Download

Tracklist:

1. Stand!
2. Don’t Call Me Nigger, Whitey
3. I Want to Take You Higher
4. Somebody’s Watching You
5. Sing a Simple Song
6. Everyday People
7. Sex Machine
8. You Can Make It If You Try

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Playlist especial: dia da mulher

Para comemorar o dia internacional da mulher, preparamos uma playlist especial, só com bandas de metal e rock com alguma representante feminina em sua formação. 20 músicas para todos os gostos, de rock n´ roll a death metal. Aumente o som e comente sobre as faixas e grupos escolhidos.

Músicas selecionadas por Gabriel Albuquerque e Pedro Kirsten


segunda-feira, 7 de março de 2011

Cavalera Conspiracy - Blunt Force Trauma (Resenha)


Mais uma banda criada após a saída de Max Cavalera do Sepultura, o Cavalera Conspiracy lança em 2011 seu segundo álbum de estúdio, Blunt Force Trauma.

A banda nasceu de uma nova união dos irmãos Cavalera, Max e Igor, algo que não acontecia fazia 12 anos até o debut Inflikted, de 2008. Álbum que foi muito bem avaliado e contava ainda com o guitarrista e vocalista da banda Gojira, Joe Duplantier, que neste trabalho só fazia a parte do baixo. Já em Blunt Force Trauma, Duplantier foi substituído por Johnny Chow.

Em suas novas bandas, Max nunca mais lançou algo tão espetacular como "Arise" (1991), mas vinha mostrando trabalhos consistentes e este novo disco é bastante eficiente. Tem tudo o que já estamos acostumados a ouvir dos irmãos, aquele peso thrash com pegada hardcore punk, vocais rasgadíssimos e muita repetição dos refrões ao longo da música. Como dito, é eficiente, curto e grosso, sem solos muito prolongados, um soco na cara. Porém, se Max quiser fazer ainda melhor, seria de bom grado pensar em continuar focando em apenas uma de suas bandas, Cavalera ou Soulfly, já que ambas têm praticamente a mesma proposta.

De peso muito agressivo e vocal brutal, o álbum inicia sua intensa jornada com Warlord e seu excelente riff. Torture e Lynch Mob são mais duas pedradas no ouvido, esta última com participação de Roger Miret, do Agnostic Front, fazendo vocais limpos. Destaques ainda para a ótima Killing Inside, a melhor do disco, I Speak Hate e a autointitulada que possui um solo mais longo. Ainda há espaço para um cover do Black Sabbath que ficou como bonus track, a música Eletric Funeral.

Continuando sua carreira com álbuns interessantes e agora com Blunt Force Trauma, Max, com o auxílio do bom baterista Igor Cavalera, vai tentando mostrar que sua criatividade musical ainda não desapareceu.

Nota: 8,0



Tracklist:

Warlord
Torture
Lynch Mob
Killing Inside
Thrasher
I Speak Hate
Target
Genghis Khan
Burn Waco
Rasputin
Blunt Force Trauma

Bonus Tracks:

Psychosomatic
Jihad Joe
Eletric Funeral

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domingo, 6 de março de 2011

Classic Albums: Cowboys From Hell - Pantera


Imagine bandas como Poison, Cinderella ou Ratt renegando tudo o que já fizeram e passando a fazer um som completamente avassalador, com uma distorção ensurdecedora e com seu vocalista urrando ferozmente. Sim, é totalmente inimaginável. Entretanto, não o foi para uns certos caras do Texas. O Pantera era mais uma dessas bandas de glam metal com visual extravagante, exibindo cabeleiras armadas no melhor estilo Slash/Bon Jovi... até a sua virada de mesa em 1990 com o clássico absoluto "Cowboys From Hell".

Coincidentemente, foi após a chegada de Phil Anselmo que as coisas começaram a tomar outro rumo. O vocalista entrou para a banda substituindo Terry Glaze, que não havia aceitado assinar contrato com uma gravadora ligada à Gene Simmons do Kiss, entrando assim em conflito com os demais membros e resultando na sua demissão. A estreia de Anselmo foi em "Power Metal", de 1988, ainda não revolucionário, mas já dando mostras do que viria futuramente. Mas o grande fator responsável pela transição radical foi a mudança de postura dos músicos. Dimebag Darrell conseguiu imprimir um timbre único para sua guitarra, tornando-se uma lenda; seu irmão, Vinnie Paul, sentava as baquetas com vontade e violência, sem falar que tinha uma grande técnica de bumbo; e Rex Brown mandava bases de baixo tão fortes e pesadas, que fazia com que Darrell não sentisse falta nenhuma de um companheiro para a guitarra rítmica.

O disco se transformou em uma pérola. Aliás, pérola é uma palavra sensível e inadequada para defini-lo, devido seu potente formato thrash. A cada faixa sente-se a fúria groove esmagadora pulsando em suas caixas de som. Darrell apresentou-se como um gênio ao criar solos tão complexos e ao mesmo tempo era uma fábrica de riffs. Como não enlouquecer com os riffs de Domination (um desfile deles), Heresy e da faixa-título? Além delas, ainda temos petardos como Message In Blood, Psycho Holiday e a magnífica Cemetery Gates, uma viagem extasiante ao longo dos seus sete minutos de duração.

Capa do single "Cemetery Gates", de 1990

Mas qual foi a verdadeira importância histórica de Cowboys From Hell? Bem, foi nos anos 90 que surgiram e explodiram movimentos como o rock alternativo, o hard rock "farofa" e principalmente o grunge, ocupando os holofotes e jogando o metal/rock tradicional um pouco no ostracismo. Tanto é que bandas gigantes como Judas Priest, Motörhead, Metallica, Megadeth, AC/DC, Iron Maiden e tantas outras passaram seus piores momentos nessa exata década (com exceção de alguns discos como Painkiller e Rust In Peace que sairam já bem no início), após brilharem intensamente nos anos 70 e 80. Enquanto isso, o Pantera fazia o caminho inverso, vindo de uma fase mal sucedida para o reconhecimento mundial em meio às novas linhas musicais. Nisso consiste o legado do Pantera, em manter viva a chama do heavy metal, em produzir um disco tão ousado e agressivo numa época adversa para tal.

E para comemorar os 20 anos deste trabalho, em 2010 a banda (agora infelizmente extinta devido ao trágico assassinato de Dimebag) resolveu lançar uma versão tripla do álbum para colecionadores. O primeiro CD é uma remasterização de todas as faixas; o segundo traz apresentações ao vivo nos EUA e em Moscou (Alive In Hostile); e o terceiro agrupa demos das músicas, além da canção The Will To Survive, gravada durante as sessões do álbum (confira ela no vídeo abaixo), trazendo um som que distoa um pouco do resto do disco em termos de peso, pegando mais para um lado hard rock bem groove.



Produzido por Terry Date e editado pela gravadora Atco Records, que pela primeira vez trabalhava com a banda, Cowboys From Hell alcançou em 1993 o disco de Ouro e em 1997 o disco de Platina por chegar a 1 milhão de cópias vendidas só nos EUA. O sucesso comercial também levou a galgar a posição 117 na Billboard 200, a posição 27 na Top Heatseekers e a ficar em oitavo na Catalog Albums.

Para baixar o álbum, basta clicar AQUI, caso já seja cadastrado no fórum Metal Is The Law.


Tracklist:

Cowboys From Hell
Primal Concrete Sledge
Psycho Holiday
Heresy
Cemetery Gates
Domination
Shattered
Clash With Reality
Medicine Man
Message In Blood
The Sleep
The Art Of Shredding


Integrantes:

Phil Anselmo - Vocalista
Dimebag Darrell - Guitarrista e vocal de apoio
Rex Brown - Baixista
Vinnie Paul - Baterista

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sábado, 5 de março de 2011

Moonsorrow - Varjoina Kuljemme Kuolleiden Maassa [Review]

Quatro anos após Viides Luku - Hävitetty, que é pouco inspirado em relação aos outros grandiosos discos da banda, os finlandeses do Moonsorrow (sim, mais finlandeses na parada) voltam com Varjoina Kuljemme Kuolleiden Maassa, um álbum que é tão bom quanto difícil de pronunciar o nome. Apesar de o disco anterior ser um pouco menos inspirado, ele é criativo e inovador e não perde sua essência nórdica devastadora e o clima místico do folk, assim como todos da banda, e não é diferente com esse. Neste álbum a banda traz novamente a mistura do clima soturno e agressivo do black metal com todo o brilhantismo e magia do folk metal, mistura essa que ainda não foi tão explorada pelas bandas desse gênero do metal tão cheio de possibilidades, e o Moonsorrow se destaca por fazê-la com originalidade e maestria.

A estrutura do disco é aquela já conhecida da banda, poucas músicas, porém longas. Este tem quatro músicas que ultrapassam os 10 minutos e 3 interlúdios. Os interlúdios soam como alguém caminhando na neve, até que esse alguém morre. Fica um pouco difícil dizer qualquer coisa porque a tradução das letras é um pouco inacessível, mas as canções fluem de uma maneira para que haja uma sensação de viagem, e o interlúdio Kuolleille e a última música, Kuolleiden Maa (A Terra Dos Mortos) sugerem esse fim para o "personagem".

O que mais impressiona na banda é que o seu som é incrivelmente atmosférico, é como se o som te hipnotizasse. Os vocais limpos foram deixados um pouco de lado nesse disco, ficando mais para as partes faladas, que ligam as diferentes passagens das canções. Na maior parte do tempo, as músicas pendem para o black metal, com guturais e drives bem agressivos num clima sombrio e depressivo, mas também tem belas melodias com um clima folk mais comedido, onde os músicos utilizam os tais intrumentos "diferentes", como viola, flauta, gaita, e a harpa de boca, que é a responsável pelo efeito mola tão usado pela banda, dando um frescor no clima denso e não deixando as canções soarem cansativas, tudo isso numa grandiosa estrutura instrumental, cativante e envolvente, tudo soando muito épico.

Todas essas características se resumem na 5ª faixa, Huuto, o destaque do disco. Ela começa num clima acústico, mas logo explode em agressividade, e também tem muitas outras linhagens e lindas melodias. Nela a banda também mostra um pouco da sua tendência progressiva, pelo fato de ela se repetir um pouco. Todos os sons se misturam, mas cada um fica distinto, todos soando muito bem, é a música que mais exige dos integrantes e a que mais mostra a técnica da banda. É fácil se perder nela.

Este álbum é infalível para agradar aos já adeptos ao gênero, mas também é uma grande recomendação para os que ainda não conhecem a proposta. Poucas bandas conseguem nos transportar para o mundo dos antigos vikings tão bem quanto o Moonsorrow, e este disco é a passagem mais segura e barata para este mundo fascinante.

Nota 10


Tracklist:

1. Tähdetön ( Starless) - 12:44
2. Hävitetty (Ravaged) - 01:34
3. Muinaiset (The Ancient Ones) - 11:43
4. Nälkä, Väsymys Ja Epätoivo (Hunger, Weariness and Despair) - 01:12
5. Huuto (The Scream) - 15:58
6. Kuolleille (To The Dead) - 01:35
7. Kuolleiden Maa (The Land of the Dead) - 16:23

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Visions Of Atlantis - Delta [Review]


Quatro anos após Trinity (2007), os austríacos do Visions Of Atlantis voltam a dar as caras com seu quarto álbum de estúdio, Delta, lançado pela Napalm Records. Com várias trocas de membros desde o último lançamento, Delta também marca a estréia da vocalista grega Maxi Nil e do baixista Mario Lochert.

Com o Symphonic Metal tornando-se cada vez mais um gênero saturado de tantas bandas, poucas conseguem se sobressair das demais ou expandir seus limites criativos dentro do estilo. Infelizmente, isto não é o que acontece em Delta.
Delta possui tudo para agradar os mais fanáticos pelo Metal Sinfônico, e, ao mesmo tempo que isso pode tornar o álbum pouco relevante para o estilo como um todo, também não chega a comprometer demais o resultado final, pois é feito com competência.

O grande destaque em Delta fica por conta das orquestrações, que não estão presentes apenas para enchimento e sim para desempenharem um papel fundamental na criação de atmosferas épicas e dramáticas, tendo também, em certos momentos, um destaque maior que o das guitarras, que não vão muito além de riffs básicos. As linhas vocais funcionam em torno da combinação dos vocais femininos de Maxi Nil com os masculinos de Mario Plank, que alterna sua função entre harmonizar suas linhas com as de Maxi, quando cantadas de maneira limpa, e gerar contraste, quando cantadas de maneira rasgada. Ambos trabalham bem dentro dos que lhes é proposto e tudo funciona corretamente, porém a ausência de refrões realmente marcantes acaba atuando de maneira negativa.

A mudança de vocalistas não causou enorme mudança na sonoridade do Visions Of Atlantis. Apesar de alguns poréns, Delta se mostra um álbum sólido. Talvez falte apenas um pouco mais de confiança na banda para tentarem ir mais além e deslancharem de vez na cena metálica, pois potêncial não é o que falta.

Nota: 7,0


Tracklist:
1. Black River Delta
2. Memento
3. New Dawn
4. Where Daylight Fails
5. Conquest of Others
6. Twist of Fate
7. Elegecy of Existence
8. Reflection
9. Sonar
10. Gravitate Towards Fatality

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A maior música de todos os tempos

A década de 1960 marcou uma importante transição no rock. As letras que abordavam assuntos da juventude como garotas e carros tornaram-se porta voz de temas políticos e sociais, além de tocar em assuntos mais introspectivos.

Antes de gravar Like A Rolling Stone, Bob Dylan já era conhecido por suas letras com engajamento político, tais como Blowin´ In The Wind, The Times They Are A-Chagin´ , Hard Rain’s A-Gonna Fall e Mr. Tambourine Man, mas sempre acompanhado pelo seu violão e gaita. Tudo mudou em 1965, com o disco Bringing All Back Home, que introduziu a guitarra elétrica no folk.

Foi a justamente a guitarra que irritou os puristas e radicais do estilo na época, que durante o lendário show no festival de folk de Newport, chamavam Dylan de ''Judas''. Eles aceitavam as letras de protesto, mas não a nova sonoridade.

O disco seguinte, Highway 61 Revisited, lançado no mesmo ano, aumentou ainda mais a fúria dos conservadores, em especial pela faixa de abertura, Like A Rolling Stone, que contava a história de um socialite que perdeu tudo e caiu na miséria. A música era comandada pelo órgão gospel apocalíptico de Al Kooper, a guitarra afiada de Mike Bloomfield, e acima de tudo, a voz raivosa de Bob Dylan, que parecia confrontar seus críticos em versos como How Does It Fell?. Uma espécie de chamado pra guerra.

Like A Rolling Stone revolucionou as canções do rádio. As canções podiam durar no máximo três minutos, ela tem seis. Os executivos da CBS pediram a Dylan para encurtá-la, ele se rejeitou, e a faixa foi dividida em duas partes para caber em um compacto e para ser divulgada nas rádios. Porém, o público não gostou da idéia, e exigiu que Like A Rolling Stone fosse tocada na íntegra, e assim ela ficou por doze semanas na parada norte-americana, chegando a alcançar o segundo lugar do chart.

Nos primeiros dias de gravação, a faixa era muito diferente da que é conhecida hoje. Estava inserida num tempo de 3/4. Essa versão foi lançada no CD The Bootleg Series Volumes 1–3 (Rare & Unreleased) 1961–1991, lançado em 1991. Uma amostra da versão pode ser ouvida nos arquivos sonoros da wikipédia. A música ganhou sua forma após Dylan convocar o guitarrista da Paul Butterfield Blues Band, Mike Bloomfield, e de Al Kooper, amigo do produtor Tom Wilson, sentar-se ao piano durante uma visita ao estúdio. Bloomfield relembra as instruções de Dylan para a gravação: ''Não quero que você toque nada dessa porcaria de B.B. King, nada dessa porra de blues. Quero que você toque outra coisa''. Essa mesma instrução seria passada aos outros músicos. Mais tarde, Bob adimitiu que a progressão de acordes foi inspirada em La Bamba, de Ritchie Valens.

A influência dessa canção de Dylan é tão grande que teve um livro escrito pelo crítico musical Greil Marcus, chamado Like A Rolling Stone - Bob Dylan Na Encruzilhada. O livro fala de sua influência na música pop conteporânea, com o intuito de provar que, sozinha, essa canção mudou toda a cultura pop ao redor do mundo.

Uma das maiores influências em publicação musical, a Rolling Stone, reuniu, em 2004, críticos, músicos e produtores para fazer uma lista com as maiores músicas de todos os tempos, e Like A Rolling Stone ficou em primeiro lugar. Em 2009 a lista foi re-feita, e lá estava o clássico de Bob Dylan, mais um vez em primeiro lugar. Outro ranking semelhante feito pela Uncut em 2002 e um pela Mojo em 2005 também traziam a mesma música na mesma primeira posição.

Outros músicos de sucesso relembram o impacto que a música teve em suas vidas: Paul McCartney contou qua ia até a casa de John Lennon para ouvir a música, e comentou: ''Parecia ir e ir para sempre. Era simplesmente lindo... Ele mostrou que provou pra todos nós que sempre era possível ir além''.

Frank Zappa foi mais longe: ''Quando eu ouvi Like a Rolling Stone, eu quis desistir da música, porque eu pensei: 'Se isso ganha e faz o que eu deveria fazer, eu não preciso fazer mais nada''.

Mas nenhum relato foi tão apaixonado quanto o de Bruce Springsteen durante o discurso de introdução Bob Dylan ao Rock And Roll Hall Of Fame: ''Quando eu ouvi Bob Dylan pela primeira vez, eu estava no carro com a minha mãe, aí veio aquela pancada seca na bateria que soava como se alguém tivesse aberto a porta de sua mente... Do mesmo jeito que Elvis liberava o seu corpo, Dylan liberava a sua mente, e nos mostrou que só porque a música é era física, ela não precisava ser anti-intelectual. Ele tinha a visão e o talento para fazer a música pop conter o mundo inteiro. Ele inventou uma nova maneira que um cantor poderia soar, quebrou as barreiras das gravações e mudou o rock n´ roll para todo o sempre''.

Like A Rolling Stone abriu as portas para toda a revolução sonora da décade de 1960. Seus seis desafiadores minutos acenderam as mentes dos Beatles, Jimi Hendrix e dos Beach Boys. Não é só o carro-chefe de Highway 61 Revisited - que não por acaso o melhor disco de Dylan -, ou a sua melhor composição, com ele mesmo disse; é a maior música de todos os tempos.

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sexta-feira, 4 de março de 2011

Jag Panzer - Scourge Of The Light (Resenha)


Após um hiato de sete anos desde o ótimo Casting The Stones (2004), a banda estadunidense de heavy/power metal Jag Panzer é mais uma que retorna ao público com seu novo trabalho denominado Scourge Of The Light.

As composições são bastante heavy, com uma melodia que pende para o power metal dos anos 80. A banda sempre foi e é muito influenciada pelo movimento chamado New Wave Of British Heavy Metal, o que contribui para sua blindagem tradicional. Sua sonoridade apresenta similaridades com o Nevermore, principalmente na atmosfera um tanto dramática das músicas e no vocal que varia do caótico ao compassado.

Apesar da grande baixa que foi a perda do guitarrista Chris Broderick para o Megadeth, a banda conseguiu preencher muito bem o posto com a volta de Christian Lasegue, que em sua reestreia mostrou solos competentíssimos, encaixando muito bem com as bases de Mark Briody. Já o vocalista Harry Conklin continua chamando as atenções para sua potente voz às vezes grave, outras vezes agudíssima. Harry também usa efeitos de delay, combinando bem com o estilo da banda e deixando as frases com mais impacto.

Scourge Of The Light nos traz um repertório redondinho com dez faixas excelentes, sem nenhum momento ruim ou chato. A canção mais agressiva do disco foi escolhida para iniciar: Condemned To Fight vem como um petardo! As faxias seguintes nos trazem um sólido conjunto de músicas melodramáticas no ponto certo, uma respeitável cadeia musical de metal: The Setting Of The Sun, Bringing The End e Call To Arms.

Let It Out possui mais peso, um riff mais "speed" e uma bateria marcante. Stjernquist volta a dar as caras com sua presente batera no riff de Union, que diga-se de passagem, possui o refrão mais "catchy" do disco. Burn, apesar do nome, inicia e termina com uma leveza advinda do piano de Briody; mas no intermédio das passagens desse instrumento, os vocais se apresentam mais marcadamente agudos e as bases são novamente aceleradas. Pra fechar brilhantemente temos The Book Of Kells, mais progressiva, mais sinfônica, com direito até a coros.

Retornando de forma muito digna, o Jag Panzer presenteia seus adoradores com um excelente álbum, muito bem produzido, muito bem feito. De volta à sua forma antiga, eles continuam deixando um fio de esperança para que façam uma inédita passagem pelo Brasil.

Nota: 8,5



Tracklist:

Condemned To Fight
The Setting Of The Sun
Bringing The End
Call To Arms
Cycles
Overlord
Let It Out
Union
Burn
The Book Of Kells

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Quintorigo - English Garden [Review]

Falar mal da cena musical atual já virou ponto comum entre os roqueiros, que dizem que atualmente, só existe ''modinha'' e banda sem criatividade. Mas fato é que esses não percebem a boa música a sua volta porque não se dão o trabalho de ouvir os discos do ano, atiram pedras sem conhecer.

A banda italiana Quintorigo foi formada em 1996. e tem como espinha dorsal o indie rock, mas namora com o rock progressivo, música erudita, pop, psicodelismo e jazz (chegaram gravar um disco em homenagem ao baixista Charles Mingus). A banda não tem guitarrista ou baterista, mas sim um violino, contra-baixo acústico e violoncelo.

Para os que criticam a música atual, aqui constam pequenas obras-primas sinfônicas do rock. Shepherd Of The Sheep, com seu riff cavernoso e How Does It Feel, com uma vocalização dramática, alternando voz feminina e masculina são as melhores faixas do play.

A versatilidade do grupo chama atenção. Eles vão de temas pop ensolarados como English Garden e Teardrops, passando pelo blues sofrível e melancólico Hang Man Blues e chegando até o clima pesado de Lies! e Somewhere Else, que ainda contém algumas mudanças de velocidade no andamento.

Em pouco mais de 43 minutos, o quinteto italiano Quintorigo renova a música pop. Um clássico dos tempos modernos, que abrange vários estilos musicais distintos de forma humana e sem medo de errar. A perfeita combinação entre vanguarda e música radiofônica.

Nota: 9,0


Tracklist:


01. The fault line
02. Teardrops
03. How does it feel?
04. The place they claimed
05. Somewhere else
06. Shepherd of the sheep
07. Candy man
08. Lies!
09. Hang man blues
10. Burning doubts

quinta-feira, 3 de março de 2011

Children Of Bodom - Relentless Reckless Forever (Resenha)


Principal representante do chamado death metal melódico, o Children Of Bodom retorna neste ano de 2011 com certa expectativa. O retorno se deve pelo lançamento do seu sétimo álbum de inéditas, após Skeletons In The Closet, uma coletânea um tanto quanto polêmica devido ao cover da Britney Spears Oops!... I Did It Again; seu título é Relentless Reckless Forever.

Após quatro primeiros álbuns praticamente impecáveis e um excelente (Are You Dead Yet?), o quinteto parece estar começando a esgotar sua criatividade, embarcando em melodias manjadas e estrutura musical repetitiva e chata. No fim de 2010, o líder e frontman da banda, Alexi Laiho, disse em um comunicado que este novo álbum reuniria e ampliaria em dez vezes tudo o que os fãs gostam no Bodom; bem, o caso é que ele acabou prometendo demais para o que está contido no disco. Demais mesmo.

O que mais encantava na música primitiva do grupo era a fusão de death metal e metal neoclássico, criando um heavy extremo e ao mesmo tempo essencialmente melódico e sinfônico. Essa característica foi se perdendo já com "Are You Dead Yet?", porém este despejava uma agressividade contagiante, sendo muito "catchy", de tranquila e provável assimilação. Mas "Relentless..." é ainda mais cru, nem tanto agressivo e muitas vezes entediante. Ao ouvi-lo você se pergunta onde estará Janne Wirman e suas sublimes linhas de teclado e imediatamente sente vontade de ouvir algo como Lake Bodom ou Downfall.

Entretanto, dá para selecionar alguns bons momentos; Not My Funeral até dá um bom ponta-pé inicial, dando alguma esperança de salvação; Roundtrip To Hell And Back vem num ritmo mais cadenciado, deixando um pouco de lado os riffs thrashers para dar lugar à riffs melódicos; além do single que já ganhou vídeo clipe Was It Worth It?, classificado por Alexi como uma música festiva.

Apesar de haver quem goste dessa nova fase do Children Of Bodom, Laiho deveria fechar a casa para um balanço, ponderar os erros e voltar a fazer ao menos uma amostra do som que consagrou a ele e a sua banda.


Nota: 6,0



Tracklist:

Not My Funeral
Shovel Knockout
Roundtrip To Hell And Back
Pussyfoot Miss Suicide
Relentless Reckless Forever
Ugly
Cry Of The Nihilist
Was It Worth It?
Northpole Throwdown

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quarta-feira, 2 de março de 2011

Turisas - Stand Up And Fight [Review]

Um dos nomes fortes do folk metal da "Terra Das Bandas de Metal", "Paraíso Das Bandas de Metal", ou Finlândia , se preferir, a banda Turisas lançou no dia 24 seu 3º álbum, Stand Up And Fight. Assim como Battle Metal (2004) e The Varangian Way (2007), Stand Up And Fight é mais um excelente disco. Ele segue a mesma fórmula dos anteriores, ou ou a falta de fórmula, pois a banda não tem uma linha musical muito clara, a não ser, é claro, dos elementos folk que põem a banda dentro do folk metal. A pegada sinfônica se mantém, dessa vez com muito mais intensidade, pela adição de instrumentos de corda clássicos finlandeses e de chifres, tocados por músicos clássicos, uma orquestra mesmo. Os corais também permanecem, dando uma atmosfera densa e o clima épico de um verdadeiro campo de batalha.

A primeira faixa é The March Of The Varangian Guard, que continua do ponto onde The Varangian Way terminou, em Constantinopla. No meio da música dá até pra ouvir uma citação de To Holmgard And Beyond, do album anterior. A canção tem o clima de Battle Metal, bem Turisas, e tem um bom destaque no violino. Apesar de essa faixa propor uma continuação do disco anterior, isso não acontece, Take The Day! dá uma desviada no rumo. Ela começa com um som mais conhecido da banda, mas vai se transformando, com Nygard cantando num tom grave enquanto os arranjos orquestrais vão crescendo até que desembocam num refrão forte e com vocais agressivos e coros grandiosos. Música bem temática e épica, com um quê de stadium rock.

Depois de uma batalha dura, os guerreiros param numa taverna para beber e se divertir. É o que Hunting Pirate propõe num clima festivo à la Korpiklaani, dá uma freada no ritmo, que volta com força em Venetoi! - Pasinoi!, com uma uma estrutura incrível, ritmo e orquestrações intensos, e uma passagem muito boa de metais. É quase cinematográfica. Encerrando a primeira metade do álbum temos Stand Up And Fight, trazendo as melodias dos álbuns anteriores de volta, e fazendo o som que consagrou a banda, canção típica do Turisas.

The Great Scape é meio esquisita, tem um início um pouco cru, mas evolui para outras nuances, com fortes orquestrações e coros e um trabalho bonito no teclado no fim. É uma boa faixa, mas flerta com muitas ideias e não encontra um caminho. Fear The Fear tem coros muito bons, mas é um pouco longa e não tem muitas variações. Depois vem End Of An Empire, o destaque do disco, tem linhas de pianos sensacionais, sejam rápidas ou lentas, coros arrepiantes e orquestrações grandiosas, ela alterna muito bem o peso e a leveza, muito épica. Dá até um clima de fim de disco, mas ainda temos The Brosphorus Freezes Over. Imagine um final de filme de guerra, de preferência medieval, com um campo de batalha cheio de corpos no chão. É exatamente o que essa música nos faz enxergar. Perfeita para fechar o disco.

Resumindo tudo, Stand Up And Fight é mais um excelente álbum, e eleva o Turisas à um patamar acima das diversas bandas do folk metal atualmente. Se o álbum soa tão grandioso, é graças a Jens Bogren e o vocalista Mathias Nygard, dupla responsável pela produção e mixagem do disco, trabalho impecável. Nygard também merece destaque pelos vários registros vocais que mostrou saber abordar. Enfim, grande candidato a um dos melhores do ano, super-recomendado a qualquer apreciador de boa música.

Nota 9,5


Tracklist:

1. The March Of The Varangian Guard
2. Take The Day!
3. Hunting Pirates
4. Venetoi Prasinoi!
5. Stand Up And Fight
6. The Great Escape
7. Fear The Fear
8. End Of An Empire
9. The Bosphorous Freezes Over

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terça-feira, 1 de março de 2011

Álbum da Semana: Fire Down Under - Riot


Natural de New York, o Riot foi fundado em 1975 pelo guitarrista Mark Reale e o baterista Peter Bitelli.
Lançado em 1981, Fire Down Under foi um álbum marcante na extensa carreira do grupo que já conta com 13 álbuns de estúdio e diversas mudanças de formação.

Na época, a banda possuia um contrato com a Capitol Records, gravadora ao qual o relacionamento se tornava cada vez mais desgastado com o Riot. Relacionamento que se tornou ainda pior durante o lançamento do terceiro álbum da banda, Fire Down Under.
Após ouvir o resultado final pela primeira vez, a Capitol considerou o álbum "pesado demais", portanto
iniviável comercialmente. Além de se negar a lançar o álbum, a gravadora não permitiu que a banda rescindisse seu contrato, dizendo que se eles desejassem se ver livres do contrato teriam que processá-los.
Os produtores Billy Arnell e Steve Loeb organizaram uma campanha com fãs do mundo inteiro, especialmente no Reino Unido, e fizeram vários protestos em frente a escritorios da EMI Records (gravadora ao qual a Capitol pertence). Com toda a pressão, a banda conseguiu se livrar do antigo contrato e assinou um novo com a Elektra Records, que imediatamente lançou o álbum no mercado, figurando no Top 100 da Billboard e se tornando o maior sucesso comercial do Riot.

Este também foi o último disco da banda a contar com o vocalista Guy Speranza, que deixou a banda por não conseguir conciliar suas crenças religiosas ao seu papel como músico. Guy faleceu em 2003 devido a um câncer no pâncreas.

Todo o esforço para o lançamento valeu a pena devido à enorme qualidade musical de Fire Down Under. Cativante do ínicio até o fim o Hard Rock/Heavy Metal da banda também dá espaço para uma pegada NWOBHM (mesmo a banda sendo americana).
Energético e emblemático, este trabalho é sem dúvidas uma excelente pedida para qualquer fã do estilo.

DOWNLOAD

Tracklist:
 1. Swords And Tequila
 2. Fire Down Under
 3. Feel The Same
 4. Outlaw
 5. Don't Bring Me Down
 6. Don't Hold Back
 7. Altar Of The King
 8. No Lies
 9. Run For Your Life
10. Flashbacks
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Top 3: Creedence Clearwater Revival

Na seção Top 3 vamos mostrar 3 grandes discos para você conheçer uma determinada banda. Vamos começar com o country rock sulista do quarteto Creedence Clearwater Revival.

O Creedence é considerada por muitos como ''a maior banda de singles dos Estados Unidos''. É verdade, o grupo comandado pelo guitarrista, vocalista, compositor e produtor John Forgety, teve muitos compactos de sucesso e hits que são lembrados por pessoas de várias idades até hoje. Alguns tem preconceito com o grupo por causa de seu sucesso comercial, mas a verdade é que o CCR sempre manteve as suas origens, e conseguiu fama sem se vender ou perder força criativa. Vão muito além de Have You Ever See The Rain.

Bayou Country (1969)

Após uma boa repercussão na mídia com o primeiro disco autointitulado, que ganhou disco de platina (250 mil cópias vendidas), o Creedence lança Bayou Country, contendo o seu primeiro hit, Born On The Bayou, que vendeu milhão de cópias. A letra é uma grande saudação ao barco que atravessava o rio Mississipi.

O grupo de John Forgety começava a abraçar o rock n´ roll em músicas como Bootleg, Penthouse Pauper e Good Gooly Miss Molly, que, nos anos 1950, fez sucesso na voz do lendário Little Richards. Apesar disso, a banda ainda continua com seus longos e densos blues em Graveyard Train e Keep On Chooglin´.

Green River (1969)

No segundo disco lançado pelo CCR em 1969, ficou evidente a preferência do líder Forgety pelos ritmos sulistas. É, basicamente, um rock enraizado no country em andamento acelerado; assim podem ser definidas a track list de Green River, com exceção de Lodi e Wrote A Song For Everyone, belíssimas baladas de refrão lento e apaixonante. Ainda há algumas distorções em Tombstone Shadow e Sinister Purpose.

Em 1971, John disse qual era seu disco predileto de sua banda: ''Meu disco favorito é 'Green River'. 'Bad Moon Rising', 'Green River''... Isso é a alma de onde eu vivo musicalmente''. Mais uma vez, o Creedence bate recordes de vendas e consegue platina tripla.

Cosmo´s Factory (1970)

Depois de ter lançado três discos em um ano, o CCR não teve descanso, e logo no ano seguinte lançou o que é, para os fãs e crítica, o seu melhor disco. A letra com referência a guerra do Vietnã e o riff cavernoso de Run Trough The Jungle e a versão definitiva de I Heard Through The Grampvine (que já era conhecida na voz de Marvin Gaye), em uma jam de onze minutos mantém o equilíbrio com as ensolaradas Ooby Dooby, Ramble Tamble, Up Around The Bend e um blues do guitarrista Boo Diddley. Com Cosmo´s Factory, o Creedence consegue mais um fenômeno de vendas: um milhão de cópias vendidas só nos Estados Unidos! O disco mais vendido do grupo.

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